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sábado, 5 de abril de 2014

Murió el guitarrista de música country Arthur Smith a los 93 años

 
El guitarrista estadounidense Arthur Smith, uno de los pioneros de la música country, murió este viernes a los 93 años.
Fue considerado uno de los guiarristas más influyentes en este género, así como del rock and roll.
Smith logró la fama en 1948 con su single Guitar Boogie, tema que fue interpretado por Paul McCartney durante su primer concierto con The Quarrymen, grupo que luego se convertiría en Los Beatles.
Arthur Smith compuso la banda sonora para la película de los años 70 Deliverance, cuyo título en español fue Defensa (en España) o Amarga Pesadilla en (América Latina).
El guitarrista grabó discos con importantes sellos discográficos y tuvo también una carrera exitosa como presentador de televisión y radio.

Fuente: http://www.caracol.com.co


miércoles, 2 de abril de 2014

Alan Parsons:"Trabajar con los Beatles fue un sueño hecho realidad"

 
Alan Parsons es una de las figuras más destacadas dentro del mundo de la música. Trabajó como productor e ingeniero de sonido de grandes artistas como Beatles (en el disco Abbey Road) y Pink Floyd (The Dark Side of the Moon) entre otros. También es un reconocido compositor.
En 1975 formó en Londres, junto a Eric Woolfson, el exitoso Alan Parsons Project, un exitoso proyecto que publicó grandes canciones.
Por estos días se encuentra de gira recordando los clásicos de la banda. El 3 de abril se presentará en el Gran Rex. Antes de su llegada al país, La Viola Web habló con él.
¿Cómo te preparás para este show en Buenos Aires? Tranquilo y con muchas ganas. Estamos tocando por Brasil y todo está saliendo muy bien. El Gran Rex es un escenario importante  y lo siento como un regreso a casa. Me gusta estar en la Argentina, se come muy buena carne y hay muy buen vino.
¿Con qué canciones se va a encontrar el público?
Vamos a tocar todos los hits. Los fans van a podes disfrutar de todas sus canciones favoritas.
¿Cómo podés definir tu estilo?
Tiene que ver con el rock progresivo y el revival. Me gusta el rock sinfónico, para describirlo de alguna manera.
¿Cómo vivís estos 35 años de “I Robot”?
Un gran material y lo recuerdo con mucho cariño.
¿Cómo lo podés definir “Pyramid”?
Fue un material extraño. El concepto cambió sobre la marcha. Primero estaba la idea de hacer un trabajo con letras relacionadas con historias de brujas. Pero, cambiamos de opinión y nos pusimos a trabajar en todo lo que significa una pirámide.
“Eye in The Sky” es otro gran disco…
En este caso no lo veo como un disco conceptual. La canción que le da nombre al disco tiene que ver con el libro “1984” y la idea de que el Gran Hermano te está mirando. Me cuesta relacionar este tema con el resto del contenido del álbum. Es uno de mis favoritos.
¿Qué significó trabajar con los Beatles?
Fue muy importante, un sueño hecho realidad. Tuve la suerte de trabajar con la mejor banda y me pagaron por eso. Me dio un poco de pena ser testigo de un momento difícil para ellos al ver como el grupo se deterioraba. La relación no era muy buena entre ellos.
Fue muy destacada tu participación en “The Dark side of the Moon” ¿Cómo lo podés recordar?
Cuando trabajé con los Beatles era muy joven y estaba aprendiendo. Con Pink Floyd puedo decir que me recibí. Calculo que hicimos un gran disco que se mantiene en vigencia.
¿Qué tiene que tener un buen productor?
Mucho oído. Uno puede contar con mucha tecnología pero es necesario estar cerca de los músicos y ser tolerables con ellos. Eso pasó entre George Martin y los Beatles.

Fuente: http://tn.com.ar


jueves, 27 de marzo de 2014

Mike McGear McCartney chats to Tony Glynn about photies, social media and singing Acapulco

 
At the height of Beatlemania, Mike McCartney changed his name to McGear in an attempt to distinguish himself from Beatle brother Paul. But to fans of the Scaffold, Merseybeat scene buffs and those with an interest in cultural photography, such distinction is not necessary. Nowadays he is plain old Mike McCartney again, with one exception: there isn't a plain bone in his body.
Mike's had quite a life, and he's keen to share it. Being a pop star and Sixties mover-and-shaker gives him alot to talk about, and he's got that innate Scouse wit and eloquence to carry the stories home. The extra ingredient is that he's also a universally-acclaimed photographer, and his camera has caught many an iconic moment.
"I have always been a photographer you know," says Mike in his colourful Scouse lilt, "so I took my camera with me everywhere – to the Scaffold shows, parties with all the famous people and the rest – and luckily got some great moments on film. There's a story behind all these moments, and that's what I'm showing to people on my tour – heaven help them."
Mike's presentation charts his early life with Paul and family, through the early days of Merseybeat and then fame with the Scaffold, and on to everything that has happened since.
But his pictures are not merely a means to show off his talent, but rather starting points for a wealth of tales. One such image is of Little Richard performing in Liverpool before Beatlemania was in full flow. The tale connected involves Ringo and bad timing: "I'd better not say too much," says Mike, "because your readers may not see the point in turning up! But I'm getting on a bit and the pictures are there to remind me of what to talk about. There's so much I want to say about those times and I won't always have the chance to.
"But the Ringo story involves him helping me out with a photo and getting it wrong. Getting it wrong, however, produced something beautiful, and I guess that's the story of my life."
By "getting on a bit", Mike is referring to turning 70 in January, and reaching such an age no doubt encourages some reflection and the desire to share his experience with others. Yet although the show is a fun, self-effacing look at the moments that have shaped his somewhat-unusual life, at its heart is the deep desire to build and preserve his own version of history.
This photographer's instinct to document life is ever-present, and even as I chat to him on the phone he constantly checks his Twitter and Facebook accounts to keep track of the world unfolding.
"It's great we've got things like YouTube and social media," says Mike, "because I've been able to find all sorts of music, shows and photies [photos] I'd forgotten about. And also, all that stuff is introduced to a new audience.
"I recorded songs at Abbey Road with the Scaffold and our kid (Paul), but can you believe it all got wiped? Someone even wiped Beatles stuff, I believe! But we've still got this tape of a variety of wonderful Scaffold stuff which I show on my tour, and the internet is great for all that."
Although Mike took a different musical route than his brother – churning out comedic classics such as Number 1 Lily The Pink, Thank U Very Much (a favourite of the Queen Mother and Prime Minster Harold Wilson, apparently), and The Liver Birds theme – he did embark on a more serious solo career and released a number of albums and singles. His voice has been described as a mixture of his brother and fellow Beatle George Harrison.
"There might be a reason I sound like our kid: we came out of the same person. On the phone as kids we used to pretend to be each other because we sounded the same. On this tour I can proudly, or ashamedly rather, announce that I will be singing Acapulco [a cappella] or whatever it's called. So I'll be naked as it were, but God forbid not actually without clothes! So if anything else, it'll be worth coming to see me die a death out there!"
Despite music being a massive part of his life, Mike's main aim has been to go with the flow and not be tied down to one aspect of his life. Unless, of course, that aspect is family. When asked to name his biggest achievement, the answer was simply: "My wife and six wonderful kids."
Forever the optimist, it could be said that he believes fate will take him where he needs to be.
"When things happen naturally I go with it," says Mike. "I never thought I'd be touring again after all these years, but it happened naturally so here I am.
"My life has always been a rollercoaster, and I much prefer that to anything else.
"All bad things, like my mother dying when I was 12, happen for a reason. The most important thing is to learn. My mum's death taught me to live life to the full, otherwise her death was meaningless. I'm lucky to be here. Or in beautiful Torrington – look out Torrington, you're great!"
Mike McCartney: Sex, Drugs & Rock 'n'Roll (I Wish) is at the Plough Arts Centre, Torrington on Saturday, March 29, 8pm. Tickets: £15 (full), £13 (concession), £11 (supporter). Box office: 01805 624624.

Source: http://www.northdevonjournal.co.uk



Led Zeppeling sigue volando

 
Desde su fundación en los años 60, hasta su disolución en los 80 Jimmy Page, líder de la banda, anunció que el próximo 3 de junio llegarán a las tiendas los tres primeros álbumes de Led Zeppelin, remasterizados por él mismo, discos que irán acompañados de abundante material inédito que hasta la fecha no había visto la luz. “Es una selección de trabajos que nunca fueron terminados, incluso con las mezclas en bruto, versiones alternativas y material nuevo, grabado en su momento”, ha afirmado Jimmy en la página oficial del grupo. Desde melty.es, no hemos querido dejar pasar la ocasión de acercar a nuestros lectores hacia la historia que se esconde tras el mito del célebre grupo inglés.
Con más de 300 millones de álbumes vendidos a lo largo de su historia, es el segundo grupo con más discos de diamante, sólo por detrás de los Beatles. Estas cifras y su inmensurable legión de fans hicieron que en 2004, la revista Rolling Stone los clasificara en el puesto número catorce en su lista de los “100 artistas más grandes de todos los tiempos”.
Entre las rarezas que se incluyen en este nuevo lanzamiento destaca un concierto grabado el 10 de octubre de 1969 en el Teatro Olympia de París, y una versión extendida de la canción Dazed And Confused, que melty.es te ofrece a continuación. Un tema hasta ahora desconocido, bautizado como La La, así como las primeras versiones de algunas de sus canciones más famosas, harán las delicias de sus numerosos seguidores.
No es ningún secreto que Led Zeppelin, como otras grandes leyendas del Rock cometieron innumerables excesos, muchos de ellos fruto de la afición al alcohol y las drogas de sus integrantes. Eran conocidos por sus orgías multitudinarias en la que hacían participar a sus grupies, algunas de las cuales no alcanzaban la mayoría de edad.
En Tokio, los británicos se cubrieron de gloria. Tras una noche larga después de un concierto, los miembros del grupo aparecieron con una cabina de teléfono en la recepción del hotel, ante la mirada incrédula de los recepcionistas. La habían arrancado de la calle. En ese mismo viaje Jimmy Page se compró una 'katana' de samurái y, estando fuera de sí, destrozó su habitación de hotel, incluyendo unas pinturas japonesas de los tiempos de Edo, de gran valor.
Quien más excesos cometía era el batería John Bonham, apodado Bonzo. En 1975, ya metido en el avión, se bebió él solito una botella de Jack Daniel's y apareció ante todos desnudo llevando tan sólo la gorra del comandante del avión. Las risas iniciales del pasaje se tornaron en expresiones de pánico cuando el músico intentó abrir la puerta de emergencia del avión tirando de la palanca con sus propias manos. Afortunadamente, Bonham fue reducido por el resto de la banda, dejando así al avión llegar a buen puerto.
Aficionados a la obra de Tolkien y en particular de “El Señor de los Anillos”, en letras de sus canciones hablaban de Mordor y Gollum. Pero en sus textos, muchos vieron alusiones a la magia negra. Tanto se les ha tildado a lo largo de los años de adoradores del diablo, que incluso cuenta la leyenda que escuchando su canción 'Stairway to heaven' al revés se pueden escuchar mensajes satánicos.
El zeppelin dejó de volar el 24 de septiembre de 1980 cuando Bonzo hizo suya la frase “Vive rápido y muere joven”. Con tan sólo 32 años, y tras haber ingerido 40 chupitos de vodka, fue hallado muerto en casa de Jimmy Page. Este mes de junio, su batería volverá a sonar aún con más fuerza en el “nuevo” lanzamiento del grupo del que aventuramos a afirmar sin temor a equivocarnos que será un rotundo éxito de ventas, agrandando así la leyenda de los Zeppelín.

Por Alexandra (AlexandraGil)

Fuente: http://www.melty.es


Ministerio de Turismo de Ecuador prepara el lanzamiento de una ambiciosa campaña

 
Más de 170 mil personas siguen una cuenta de Twitter (@AllYouNeedis__) en la que se han publicado fotos de momentos especiales en sus vidas y de maravillosos lugares por visitar, pero ¿de qué se trata?
 
El gobierno ecuatoriano usó esta red social como estrategia para generar expectativa sobre una nueva campaña turística para ubicar al país entre las potencias turísticas del mundo.
 
La imagen de un río amazónico con mensajes en inglés: 'La vida te está llamando', otra en la que se observan iguanas en Galápagos y dice 'Disfruta en familia', o un romántico atardecer en la que dice 'Se fuerte', forman parte de esta red llamada 'All you need is', que en español significa 'Todo lo que necesitas es'.
 
A esta frase se le incluyó el nombre de nuestro país, así la campaña se conocerá como 'Todo lo que necesitas es Ecuador'.
 
Este slogan nace de una canción compuesta hace más de cuatro décadas por Jhon Lennon de los Beatles, su nombre 'All you need is love' que significa 'Todo lo que necesitas es amor'. Este tema formará parte de la campaña.
 
El gobierno pagó por los derechos de autor, lo que le permite utilizar esta melodía en la promoción de Ecuador al mundo.
 
Otra iniciativa para atraer a los turistas, es ubicar letras gigantes como estas, que pertenecen al nombre de la campaña, estarán en 19 capitales de 12 países y en 7 ciudades del Ecuador.
 
Este jueves el Ministerio de Turismo lanzará oficialmente la campaña.
 
En 2013 Ecuador atrajo a más de 1 millón 360 mil turistas. Esta actividad genera anualmente al menos 1.500 millones de dólares para el país, y se ubica en cuatro lugar de los ingresos.
 



 

jueves, 13 de marzo de 2014

Elvis Presley’s “Aloha from Hawaii” cape up for auction

 
A 12-pound cape that Elvis Presley had custom-made for the 1973 Aloha from Hawaii satellite performance — but was unable to be worn because of its weight — will be auctioned by Massachusetts-based RR Auction. The full-length cape, designed by Bill Belew, measures almost 5 feet in length, according to RR Auction. It is heavily inlaid with semi-precious stones and features a colorful American eagle surrounded by stars. Presley had the cape made to hide behind at the opening of the Hawaii show, intending to drop the cape and reveal himself to the anxiously awaiting crowd, according to RR Auction.. However, when Presley tried on the cape during rehearsals, the weight almost pulled him over backwards, and it was decided that a smaller version was needed. Belew in less than 24 hours created a replacement, and the 12-pound cape was sent back to Graceland where it remained until a charity auction in 1999. according to RR Auction. The Aloha from Hawaii concert was broadcast live via satellite on Jan. 14, 1973, and from what is known today as the Neal S. Blaisdell Arena on Oahu, according to RR Auction. It was the most watched broadcast by an individual entertainer in television history, airing via Globecam Satellite in more that 40 countries across Asia, Australia, Europe, and South America. It’s estimated that more than 1 billion people worldwide viewed the entertainment special, which cost $2.5 million. Other items in the auction:Beatles signed album that was gifted to a doctor for treating George Harrison before an Ed Sullivan Show appearance.A signed first UK pressing of the Beatles’ debut EP, Twist and Shout, obtained in August of 1963 by a Disc magazine contest winner backstage at the Gaumont Cinema.Pair of John Lennon’s iconic wire-rim eyeglasses originally presented to Victor Borge.The registration for John Lennon’s famous psychedelic 1965 Rolls Royce Phantom V limousine.The Marvels of Modern Music auction, from RR Auction, features more than 800 items. The auction is set to begin on Thursday and end March 20.
 


Pop legend Jeff Lynne: I would not have liked being in The Beatles

 
“Would I have liked to have been a Beatle?” Jeff Lynne pauses for thought before slowly shaking his head. “I don’t know. It wasn’t all beer and skittles being a Beatle.
“To have been under so much pressure, to not have been able to walk down the street? I’m a very private person. I would have found that very tough. So maybe no.
“But to share the studio with George, Paul and Ringo, and to hear all those wonderful stories, that was very special. It was a privilege, beyond a privilege. The stuff of dreams.”
The 66-year-old Shard End kid-turned Hollywood A-lister, who will take his place on Broad Street’s Walk of Stars on Thursaday, famously brought John Lennon back to life.
Not literally, of course, but in the recording studio during the 1994 sessions for The Beatles Anthology albums, which collected together classics, rarities and two new songs based on unfinished Lennon songs.
Called in by close friend Harrison, it was up to Jeff to use his production wizardry to help revive Free As A Bird and Real Love for the project, a virtual reunion of the Fab Four eventually released 25 years after they split up.
“Reclaiming the demos on John’s cassette and making a record out of them remains probably the achievement in which I take most pride,” says Lynne. “It was the most technically demanding and emotional thing I’ve done.
“There were many sleepless nights because I knew I had to get it right. When you’re working on the first new Beatles singles in a quarter of a century, there aren’t any half-measures. No pressure, then!
“But in the end, we made it in a week, effectively taking John’s tape, making a record and then putting John back in it. It was very emotional. Don’t forget this was the first time George, Paul and Ringo had been back in the studio together in 20 years.
“I’m proud of The Traveling Wilburys; I’m proud of ELO; I’m proud of working hard and making things happen. But The Beatles? That was special.”
Receiving the news of Harrison’s death of lung cancer on November 29, 2001 was a low point in his life, Lynne admits. The two had become very close in the Wilburys, and the ELO man helped revive the Beatle’s solo career.
“Learning of George’s death was a dreadful experience,” he says. “Although it wasn’t really a surprise because he had been very ill for quite a while. I got the call at home, and it affected me deeply. We’d become close friends.”
It had been George Harrison who invited Lynne to join the Traveling Wilburys.
“When George came up the idea of the Wilburys, I was the first person he called,” he says. “We added Bob Dylan, Roy Orbison and Tom Petty – quite a band!
“Could we do it again, start a new version of the Wilburys? Possibly, yes. I think if a couple of us wanted to do it, and the right people were interested, then it could work.”
Just now the $64 million dollar question, and more urgent, is whether ELO will hit the road again. Since Lynne and bandmate Richard Tandy reprised the band’s hits for Children In Need last year, demand is blue sky-high.
After he appeared on the Chris Evans radio show last week, Lynne has been flooded with offers of one-offs, world tours, even a six-night stint at London’s giant 02 Arena.
“I’m flattered when I’m told that I could sell out six nights but I can’t really imagine it,” he concedes. “It’s great that people still want to hear my music, but the O2? And six nights? Like I said, I’m flattered.’’
“I don’t know if I’ll take the plunge and go back out on the road again, despite the offers that have been coming in. There are people wanting me to play and either I will do it or I will not. I’m still undecided.
“I totally prefer working in the studio to touring. I always have.”
Lynne’s Brummie pedigree runs through a host of band names rooted in their era: The Rockin’ Hellcats, The Handicaps – later the Andicaps – The Chads, The Nightriders, The Idle Race, more famously The Move, and Electric Light Orchestra.
Tonight Jeff Lynne will be in the company of old friends once more, at a private party at the new Library of Birmingham, where he will receive a star bearing his name on Broad Street’s Walk of Stars. It will be a famous first because he will also get a star on the Hollywood Walk of Fame in LA later this year.
“Getting a star on the Broad Street Walk of Stars is fantastic,” he grins. “I never dreamed of being honoured in any way in my hometown, let alone anywhere else. I just counted myself lucky if I could get a gig.
“I’m also getting a star on Hollywood Boulevard this year but, of course, the Birmingham star is closest to my heart. It’s where I come from, where it all started for me. And the star will be on Broad Street, close to where we played some of our earliest gigs back in the 1960s.
“I’ll be among good friends, too, because Ozzy Osbourne, Roy Wood, Tony Iommi and Bev Bevan all have stars on Broad Street.
“I’m looking forward to seeing Roy Wood again tonight. He’s coming along to the Walk of Stars event and it’ll be the first time I’ve seen him in 20 years. It’s a shame Bev Bevan couldn’t be there but he’s playing a gig. I’ve not seen him in 25 years.
“Would we ever get back together? Probably not. We’ve all moved on in our separate ways since we first played together in The Move and the original Electric Light Orchestra line-up.”
It will be the second hometown honour in a fortnight for Lynne, who has just been awarded an honorary doctorate from Birmingham City University for his services to music.
“I was chuffed to get the honour from Birmingham City University,” he says. “It was a wonderful day, being among all those graduates with all their hopes and wishes.’’
Jeff Lynne – the kid with stars in his eyes who went to Alderlea Boys Secondary School, who rehearsed at Shard End Community Centre - still has lots to do.
There’s a major new album, almost complete after four years in the making, a project with Canadian rocker Bryan Adams, and the work he recently did on the American Hustle soundtrack whetted his appetite for more.
It is, he smiles, simple. You just have to hold on tight to your dream.

By Paul Cole

Source: http://www.birminghammail.co.uk


Morrissey contra Los Beatles

 
“Los Beatles solo escribieron cuatro canciones buenas”, declaró Mozz, que se encuentra en Francia dando los toques finales de World Peace Is None Of Your Business, su nuevo disco próximo a llegar a mitad de año. Para nunca dejar de ser él, dio una entrevista con Billboard y soltó esa polémica frase cuando fue consultado acerca de si la banda de Liverpool fue una gran influencia para su carrera. Duro.
“Creo que cuatro de sus canciones son magníficas y si una banda solo te pueda dar cuatro canciones buenas entonces no es suficiente para mi”, soltó el astro. “¿Fui alguna vez influenciado por los Beatles? No”, sentenció.
Además de soltar esa picante declaración también le dedicó tiempo a otro de los temas que siempre le van a preguntar: el regreso de The Smiths. “No conozco a una sola persona que quiera la reunión de The Smiths, deslizó. Johnny Marr por ahora no puede tocar: se rompió la mano y sus presentaciones en Sudamérica están en duda.

Fuente: http://www.rocktails.com.ar


miércoles, 26 de febrero de 2014

Muere Paco de Lucía de un infarto

 
Paco de Lucía ha muerto de forma inesperada a los 66 años de un infarto. El trsite suceso ha tenido lugar esta madrugada y la noticia corría como la pólvora desde primera hora de la mañana en Twitter.
El productor musical Miguel Ángel Arenas, 'Capi', se lo ha confirmado a Vanitatis.
Paco de Lucía es el guitarrista flamenco más reconocido del flamenco actual, desde sus actuaciones con Camaron hasta sus colaboraciones con artistas flamencos actuales.

Fuente: http://www.que.es


Drummer Damiani Dies At 68

 
I go back a long way with Chip.  In fact, I never realized how far.
We were a couple of Waterbury boys who fell in love with women from New Haven.  Both of them had the bad judgment to ask us to stay.  We did.
Over the years our relationship grew, through my political activities with Maria; and Westville baseball, where Chip coached my son, Alex, and his son, Michael (with the able assist of his older son, Chris). My daughter Lauren talks about how gentle and considerate he was on his many visits to the house; particularly, when she was stranded during the blizzard of 2013. To my wife, Marlene, he has been a brother confessor and confidante during her bouts with health issues. He never rang the door bell at the Mednick household ... His distinctive knock was the percussive rhythmic tap of his fingers on the door. On his frequent visits he grumbled and warned us of the dangers of the trees on our lot or the exotic configuration of our roofing system (he was a roofer); needled me about the Red Sox (he was a dyed-in-the-wool Yankee fan). Oor we would vent about the broken political system in our country; smoke a good cigar; and, gossip about everyone we knew, like two yentas on the boardwalk. He oozed with love for his sons, daughter, Robin, and grandchildren.  He was exuberant without bluster, vibrant but not outlandish and intense, very intense.  There was no light talk.  He was a force of nature.
In the end our lasting bond was music. I knew that Chip was in The Remains, the band that opened the Beatles’ 1966 tour, had a recording contract with Epic records and performed on Ed Sullivan, Hullabaloo and Shindig. Curiously, Chip left the band prior to the Beatles tour, believing that it was not a good business move.  He was afraid of getting caught up in the screaming and frenzy, leaving the band out in the cold during their own summer of opportunity.
Well, he didn’t tour, and The Remains broke up after the tour. He was right.  Nonetheless, Chip was one of the few musicians who actually touched the gold ring.
As I started to play and write music ten years ago our paths crossed when Chip (and bassist Mike Daugherty) joined Tony Casagrande and me in the first performance of our band, Hard Road, at Bunker Hill Park in our hometown.  It was the start of a great ride. For the next five years Chip, Tony and I were the nucleus of the band. While there have been personnel changes over the years, he was our steady heartbeat and soul.  He was the king of cool and a poet on the skins who kept a steady rhythm and held us in check.
Chip taught me to listen to the cadence, inflection and pulse of a song.  He was a relentless drummer who constantly pushed us and never failed to tell us when our harmonies were off or when a song didn’t work. He played on my CD Immigrants…and Other Americans, and I will always listen to those tracks with enormous pleasure and gratitude. He was a great audience for any new song I was writing.  He taught by force of personality and all of us in Hard Road learned from him.
Tony, Joey Sciortino, Arthur Bargar, Annie Wilson, Rose Lion, Virginia Griffen and I will miss our Wednesday night exercises and gigs with Chip.  Chip Damiani will be part of my spirit forever…

by Steve Mednick

Source: http://www.newhavenindependent.org


martes, 25 de febrero de 2014

El olvidado Tom Wilson, productor (negro y ‘bon vivant’) de Dylan, la Velvet, Zappa, Nico…



 
No es un desatino afirmar que una vida entera podría sobrellevarse con la compañía única de estos doce discos. Son en apariencia de muy distinto espíritu: el Bob Dylan mata infieles de The Times They are A-changin’, quizá el único disco soviet del cantante; las simas desoladas de White Light/White Heat, la obra más negra de The Velvet Underground;  la melancolía urbana de una pareja de universitarios ilustrados, Wednesday Morning, 3 AM, de Simon & Garfunkel; la patafísica del primer disco de The Soft Machine; el jazz astral de Sun Ra; la demencia de Freak Out!, debut de The Mothers of Invention, vehículo de Frank Zappa; la tristeza helada de Chelsea Girl, de Nico; en fin, el single con la mejor canción de todos los tiempos, Like a Rolling Stone
Sólo hay una circunstancia que enlaza la docena de álbumes: todos fueron producidos por la misma persona, Tom Wilson (1931-1978), un negro nacido en Texas, licenciado cum laude en Economía en Harvard, conquistador, bohemio, cultivado, conservador —votaba por los republicanos— y bon vivant.
En los años cincuenta, convencido de que ejercer la economía no era lo suyo, montó por su cuenta en Boston la discográfica de jazz Transition, donde tuteló las grabaciones de 22 álbumes de músicos jóvenes y vanguardistas como Sun Ra y Cecil Taylor —a quien descubrió y produjo en el inolvidable Jazz Advance—.
Las grandes discográficas de Nueva York no pasaron por alto el ojo y las dotes de Wilson y fue contratado como productor freelance. Aunque entre 1965 y 1968  hizo historia ayudando a llevar a término música diferente, rebelde y nueva de folk, pop y rock de vanguardia, Wilson murió en el olvido y prematuramente de un ataque al corazón a los 47 años.
Pese al tamaño y trascendencia de las obras que produjo [en esta web dedicada al personaje hay una discografía exhaustiva] y a los halagos de los músicos a quienes prestó servicio —John Cale, el más avanzado musicalmente de los miembros de la Velvet Underground, declaró que fue el “mejor productor” y consejero con el que trabajó el grupo y Zappa le consideraba “prodigioso” a la hora de leer la intención de la música con la que trabajaba—, Wilson permanece en un inmerecido segundo plano frente a los grandes magos del sonido de la época (Phil Spector, Brian Wilson, Berry Gordy…).
Entiendo que hay dos motivos para la omisión. Primero, se trataba de un negro trabajando para músicos blancos en un tiempo en que el pop y el rock estaban fuertemente segregados. Segundo, no era un productor intervencionista que gustase de dejar su impronta en la música. Al contrario, prefería poner sus dones al servicio del producto, asesorando sobre posibilidades, advirtiendo fallos y sugiriendo mejoras, orientando antes que mandando.
Era tal el respeto que mostraba por las canciones y los intérpretes que algunas crónicas malintencionadas le presentan como un tipo despreocupado que consumía buena parte del tiempo en la cabina del estudio hablando por teléfono con sus muchas noviasera un conquistador nato de gran atractivo: medía 1,90, siempre vestía impecablemente y tenía el don de la palabra— mientras los músicos lidiaban con el trabajo al otro lado del cristal.
La leyenda negra queda desmontada repasando los detalles de la relación de Wilson con el más famoso de sus clientes, Bob Dylan, a quien produjo desde el segundo álbum (The Freewheelin’ Bob Dylan, 1963) hasta el single Like a Rolling Stone (1965). Contratado por la discográfica Columbia —fue el primer productor negro en trabajar para la empresa—, Wilson nunca ocultó que no le gustaba demasiado la música de Dylan: “No me gustaba la música folk. Venía de grabar a Sun Ra y John Coltrane y el folk me parecía música de tontos y aquel chico tocaba como un tonto… Pero entonces escuché las letras“.
Aunque Wilson produjo los dos siguientes discos del cantautor bajo la fórmula canónica de voz, guitarra y armónica, en Bringing It All Back Home (1965) logró que grabase por primera vez con un grupo eléctrico (“siempre pensé que Dylan podía ser el Ray Charles blanco”), en un giro que cambió para siempre la historia del rock, añadiendo tensión galvánica y sexual a la altura literaria de Dylan. La vuelta de tuerca fue perfeccionada en Like a Rolling Stone, la canción más importante de la historia, donde el añadido del órgano Hammond que pone cortinaje y cimiento a la saga rabiosa que Dylan grita fue una decisión personal de Wilson, que propuso la contratación del multiinstrumentista Al Kooper.
En mayo de este año la industria musical estadounidense oficiará otra de las ceremonias anuales de elevación de luminarias al Rock and Roll Hall of Fame, esa especie de museo de cera donde se honra a los músicos y otros implicados en el rock por su condición de cajas registradores. Entre los nueve nuevos miembros de la necrópolis hay dos manejadores-productores: Brian Epstein, el muy sagaz agente que hizo de los Beatles el producto más rentable de la música pop —a veces con malas artes, como ocultar los pecados privados de los miembros de la banda— y Andrew Loog Oldham, el artero vendedor de los Rolling Stones como grupo peligroso cuando sus integrantes eran niños pijos. Tom Wilson, que, a diferencia de los dos anteriores, jamás manipuló a sus protegidos, no aparece entre los centenares de figuras de toda calaña del museo. Otra vez lo han olvidado.

Ánxel Grove

Fuente: http://blogs.20minutos.es


viernes, 21 de febrero de 2014

David Bowie gana un premio Brit 18 años después de recibir el honorífico

 
"AM", de la banda británica Artic Monkeys, fue distinguido el miércoles como el mejor disco británico de 2013 en una gala en la que el ilustre David Bowie ganó un Brit dieciocho años después de recibir uno honorífico
Estos premios anuales de la industria musical británica fueron entregados en una gala en el pabellón 02 de Londres.
"El rock'n'roll nunca se irá, siempre estará ahí a la vuelta de la esquina", dijo el cantante de los Artic Monkeys, Alex Turner, defendiendo su estilo al recibir el premio estrella de la noche.
Bowie, por su parte, fue distinguido con el galardón al mejor solista después de reaparecer con su disco "The Next Day" tras 10 años de silencio.
Con el premio de este miércoles, Bowie, de 67 años, se convierte en el artista de más edad en recibir un Brit.
Hace 18 años Bowie había recibido un galardón honorífico al conjunto de su carrera. En la edición de este año optaba a dos premios pero perdió el segundo -y más preciado-, el de mejor álbum del año.
Bowie le sacaba 40 años a cualquiera de sus competidores en la categoría de mejor solista: Jake Bugg, James Blake, John Newman y Tom Odell.
Su premio lo recibió la modelo inglesa Kate Moss. "Bowie es demasiado bueno" para estar en la gala, dijo Noel Gallagher, el guitarrista del desaparecido grupo Oasis, burlándose de la ausencia del artista.
Bowie, mediante un mensaje leído por Moss, hizo el único alegato político de la gala al pedir a Escocia que se quede en el Reino Unido, siete meses antes del referéndum de independencia de la provincia británica.
"Por favor, Escocia, quédate con nosotros", dijo Bowie en su mensaje.
Escocia celebrará el 18 de setiembre un referéndum para decidir si se independiza del Reino Unido -integrado además por Inglaterra, Irlanda del Norte y Gales- tras 300 años de unión.

ARTIC MONKEYS, MEJOR GRUPO BRITÁNICO DEL AÑO

Artic Monkeys se hizo además con el premio al mejor grupo británico del año.
Los franceses Daft Punk lograron el galardón al mejor grupo internacional por su disco "Random Access Memories", un homenaje a la música disco y funky del siglo pasado que ha vendido más de un millón de copias en todo el mundo y que por sí solo se bastó para resucitar la venta de discos de vinilo en el Reino Unido.
El galardón lo recibió el legendario guitarrista Nile Rodgers, del desaparecido grupo funky Chic, que colaboró en varias canciones de Random Access Memories.
Precisamente, la gala se cerró con la actuación de Rodgers y el cantante Pharrell Williams intepretando un medley que incluyó "Get Lucky", la canción estrella del disco de los Daft Punk.
También actuaron Beyoncé y Kate Perry, entre otros. El músico estadounidense Prince y el jugador del Barcelona Cesc Fàbregas fueron algunos de los encargados de entregar los premios.
La banda juvenil One Direction logró el premio al mejor video y la distinción honorífica al éxito mundial.
La mejor canción fue "Waiting All Night", de Rudimental y Ella Eyre. Ellie Goulding se llevó el premio a la solista británica y la joven neozelandesa Lorde -17 años- el de la solista internacional.
Los Brit Awards se entregan desde 1977, año en que los Beatles fueron los grandes triunfadores con su álbum "Sgt. Pepper's Lonely Hearts Band Club".

Fuente: http://www.teinteresa.es


Convierten en un complejo de viviendas un edificio que Pink Floyd volvió icónico


 
Los amantes de la música -especialmente la inglesa- reconocen la silueta del edificio al instante. Y aquellos no tan fanáticos seguro deben tenerla de vista. Con sus cuatro chimeneas grises y la imponente estructura de ladrillo, el edificio de la vieja planta de energía Battersea de Londres es una de las postales de la ciudad desde que Pink Floyd la eligiera para la tapa de uno de sus discos, Animals, y los Beatles la usaran de escenografía en su película Help!. Hoy, después de muchos años de abandono y proyectos truncos, Battersea está próximo a convertirse en un exclusivo complejo de departamentos, con valores que llegan hasta las 30 millones de libras.
La firma de bienes raíces propietaria del mítico edificio londinense anunció ayer que lanzará a la venta una serie de condominios y departamentos ubicados dentro de la ex central eléctrica, con precios que -se estima- pueden llegar a alcanzar las 30 millones de libras en el caso de los penthouses (Unos 389 millones de pesos aproximadamente), similares a las mansiones más exclusivas de la ciudad.
El objetivo final es convertir el edificio y los alrededores en un nuevo barrio de viviendas que albergue con el tiempo hasta 3500 casas, cines, shoppings, centros culturales y cerca de 200 locales. Sin embargo, aunque un argentino dispusiera de ese dinero y quisiera comprar un departamento allí, no podría, ya que los administradores anunciaron que la preventa -que comenzará en mayo-se realizará solamente para quienes residan en Londres. Esta medida busca mejorar la complicada situación habitacional de la ciudad -Mucha demanda y poca oferta disponible-y evitar que los departamentos terminen en manos de inversores extranjeros. En los últimos años, Londres se ha vuelto una meca de los nuevos magnates rusos petroleros.
La central eléctrica de Battersea es considerada un ícono de Londres, y se encuentra dentro de una lista de edificios protegidos grado II, apenas por debajo del Palacio de Westminister o el puente Tower Bridge. Fue construida en 1930 sobre el margen sur del río Támesis para abastecer a la ciudad de energía generada a base de carbón.
Como se temía que por su gran tamaño terminase dañando la vista de la ciudad, el diseño del edificio fue encargado al arquitecto Giles Gilbert Scott, famoso por haber diseñado la catedral de Liverpool y las también icónicas cabinas rojas de teléfono. Debido a la fuerte crisis posindustrial que sufrió Londres a fines de los 70, Battersea debió cerrar una de sus dos estaciones en 1977 antes de apagar definitivamente las chimeneas en 1983.
En el medio, Pink Floyd eligió al edificio como portada de su disco Animals, que buscaba reflejar la crisis económica -y humana- que atravesaba el Reino Unido a través de un trabajo conceptual que incluía referencias al libro Rebelión en la Granja, de George Orwell. Para eso, inflaron un cerdo gigante con helio y lo pusieron a flotar alrededor de las chimeneas, una imagen producida por el estudio de artistas Hipgnosis que se volvió un ícono con el tiempo.
Hoy, esa imagen icónica está cerca de convertirse en una vista desde el balcón para algunos privilegiados que tengan bastantes libras en el bolsillo.

Fuente: http://www.clarin.com


jueves, 20 de febrero de 2014

Doors guitarist Robby Krieger keeps fire lit for Jim Morrison

 
The music is never over when it comes to The Doors. If there’s one good thing to come from the death of Doors keyboardist Ray Manzarek in 2013, it’s that the last two surviving members, guitarist Robby Krieger and drummer John Densmore, are speaking again after years of not even talking to each other. Krieger, a Los Angeles native, spoke to FOX411 about working with Jim Morrison and the band’s indelible legacy.
FOX411: You and John Densmore became close again after Ray's death.
Robby Krieger: Yeah. It was hard to lose Ray this past year, but at least John and I have started talking again. We want to play together and do some kind of tribute thing for Ray.
FOX411: “Light My Fire” was a No. 1 single for 3 weeks in July 1967. Not a bad showing for the first song you ever wrote.
Krieger: Thanks. It’s been downhill ever since. (laughs) But I don’t think I’ll ever get tired of playing that song.
FOX411: The first Doors album is iconic, but you didn’t have much time to record it.
Krieger: We were pretty proud of that one. We only had about 8 days to cut it. Everyone was very happy with the results. We were four weird guys who just happened to come together at the right place and right time, and we became something bigger than four people, you know? We didn’t just add to our growth; we multiplied it.
FOX411: As a guitar player, you didn’t follow the blues template many other ’60s players did. You were more into flamenco and fingerpicking, and nobody else really played like that at the time.
Krieger: I guess not! It wasn’t like I was trying to be different. I started playing flamenco early on before I played electric guitar, and it kinda bled over.
FOX411: After Jim Morrison first saw you play bottleneck slide on your guitar, he said, “I want to hear that on the whole album!”
Krieger: Hah, yup! He said that right after we did “Moonlight Drive,” the first song we played together. Yeah, Jim loved that sound.
FOX411: Could you tell from the first time you met Jim that there was something special about him?
Krieger: I knew there was something special just by reading some of his lyrics. I didn’t realize what a genius he was until later. He was kind of shy and didn’t say much at first. It took a while. When we started playing at the Whisky [a Go Go, a club in Los Angeles], he really came out of his shell. We realized the potential that he had.
FOX411: The Whisky is where the notorious first performance of “The End” took place in August 1966, and that got the band fired because of Jim’s graphic, Oedipal lyrics. How did that feel at the time?
Krieger: It was a little weird. We hadn’t heard those words before either. (both laugh) It was just another Doors performance. I think they made a bigger deal out of it. But it was definitely different.
FOX411: It seems like every generation discovers Doors music. Do you hear from younger fans?
Krieger: Yeah. I met a 28-year-old the other day who told me her parents grew up listening to The Doors. It was her whole life, you know? She married a guy who she thought was like Jim, and he also died when he was 27, just like Jim did. It was like the outline of her whole life. Our music means so much to people like her, and especially to the guys who went to Vietnam.
FOX411: You got a phone call [in July 1971] telling you Jim had died in Paris. That must have been hard to hear.
Krieger: (pauses) It was kind of a shock. But then again, it wasn’t, you know?
FOX411: I imagine if he were still here, you guys would still be doing your own thing as The Doors, right?
Krieger: I would think so. I’m sure we’d be doing something together. And we probably would have continued on an L.A. Woman kind of path. Did you ever hear the poetry album, An American Prayer? I could hear more stuff coming from him like that.
FOX411: I think of Doors music as the perfect “audio movie soundtrack.” We visualize things when listening to your songs.
Krieger: Yeah, I like that. That’s hopefully what you see in your head when you hear Doors music.

By Mike Mettler

Source: http://www.foxnews.com


Wirral country star's tribute to The Beatles

 
Charlie Landsborough pays tribute to The Beatles in a new album which is due out later this year.
The acclaimed Birkenhead-born country artist hits the road to promote Here, There And Everywhere at the Southport Theatre on Friday, March 14 as part of a national tour. The album is released on April 7.
Recorded largely in Spain, it features 14 tracks in total, blending popular tunes and some not so obvious, great songs with great arrangements and all performed with his trademark deep, heartfelt and much loved sound.
It's a departure from the music which has earned Charlie a legion of fans over the years, something he is very conscious of.
He told the Globe: "The new album is very timely, as it is The Beatles’ 50th anniversary celebrations.
"I know, when you do something like this, you can open yourself up to brickbats from fans. But I hope they like it."
It's 20 years since Charlie first shot to fame with What Colour Is The Wind, the song that has become his signature tune and still receives regular radio play.
Since then he has released 27 albums, various singles, earned many awards and accolades, and fans in every corner of the globe.
Both the cover and interior photographs of the new album were shot inside and in front of Liverpool’s world-famous Cavern Club and the album is packaged in a glossy double-Gatefold Digipak, another nod to the style of the early '60s LPs.
Charlie recalled: "I was in a band that was supposed to support The Beatles when they played at The Grosvenor in Wallasey in the early 60s.
"But for some reason I couldn’t do it, so I missed the opportunity to meet them.
"I was very taken with them, musically they were great, they were a very creative band."
The album cover includes a personal introspective piece from Charlie himself about a missed opportunity at the time as well as an introduction from Gerry Marsden MBE who, along with The Pacemakers, was also part of Brian Epstein’s Merseybeat scene.
Gerry said: "The songs here are instantly recognisable but Charlie has paid his respects in his own distinctive way. Will you enjoy this? Yeah, Yeah, Yeah, Yeah."
Tickets for Charlie's show at the Southport Theatre, which starts at 7.30pm, are from 0844 871 3021.
The Globe has two pairs of tickets for the show.
To be in with a chance of winning, answer the following question: What was the title of Charlie’s first single?
Send the answer to: Charlie Landsborough, Wirral Globe, Haymarket Court, Hinson Street, Birkenhead CH41 5BX. The deadline is next Wednesday, February 26.

By Craig Manning

Source: http://www.wirralglobe.co.uk

miércoles, 19 de febrero de 2014

Exmiembro de Kiss critica al Salón de la Fama del Rock & roll

 
El guitarrista Paul Stanley, exintegrante de la mítica banda Kiss, ha manifestado que el Salón de la Fama del Rock & Roll está corrupto y distorsionado.
A Stanley, quien ingresará al salón este año con sus excompañeros de Kiss, le da igual este nombramiento, de acuerdo con una entrevista que él concedió a la revista Classic Rock.
“¿Es un honor entrar en el Hall of Fame? No. Significa mucho para los fans y lo entiendo, y por eso lo apruebo de buen grado y lo acepto en su nombre”, dice.
También aclara que su opinión no tiene nada que ver con el resto de bandas que constan en el museo, pues no le molesta pertenecer a un club en el que están nombres como Jimmy Page, Eric Clapton, The Who, The Beatles, entre otros; porque su molestia no es con ellos, sino con un “sistema que creo que está contaminado, corrupto y distorsionado”, agregó el guitarrista.

Fuente: http://www.eluniverso.com



Abba 'se queja' de su vestuario

 
Internet está lleno de páginas web en las que se anuncian “trajes y accesorios estilo Abba”. Hay pelucas, botas, minifaldas arriesgadas, trajes discotequeros, conjuntos de blanco inmaculado, camisetas cargadas de lentejuelas, mucho spandex, telas de raso… La oferta es interminable. Y, a juzgar por la cantidad, debe de existir una gran demanda. Pero cuando hace cuatro décadas el grupo sueco formado por dos parejas apareció sobre los escenarios de su país vistiendo aquellos trajes imposibles, las audiencias en Suecia sufrieron un fuerte shock, seguido del que se sintió en el resto del mundo poco después de que Abba diera el salto internacional tras ganar Eurovisión en 1974 con la canción 'Waterloo'.

“Honestamente, creo que durante aquellos años teníamos pinta de locos. No creo que nadie vistiera tan mal sobre un escenario como nosotros”, dijo Björn Ulvaeus, uno de los cuatro miembros de la banda, en el libro 'Abba: The Official Photobook', que se edita el mes próximo en Reino Unido. Se trata de una recopilación con más de 600 imágenes oficiales de un grupo que ha vendido más de 400 millones de discos en todo el mundo y que a pesar de haberse disuelto en 1982, en la última década ha vivido un fuerte revival que ha precipitado la reedición de sus discos y ha propiciado un musical, Mamma Mia, que se ha convertido en uno de los más taquilleros de la historia tanto en Broadway como en el West End londinense.

En el libro se incluyen también más de 100 fotografías inéditas de una banda que figura entre las diez que más discos han vendido de la historia, superando en algunos países incluso a los Beatles. Las fotos están acompañadas de comentarios y recuerdos de Agnetha Fältskog, Björn Ulvaeus, Benny Andersson y Anni-Frid Lyngstand, los cuatro integrantes de un grupo célebre por temas como 'Super-Trouper', 'Dancing Queen', 'Ring Ring', 'Fernando' y 'Mamma Mia'.
 
Fuente: http://diario.mx


martes, 4 de febrero de 2014

Se cumplen 55 años del accidente aéreo que le puso fin a la vida de tres figuras del rock

 
na fría noche del 3 de febrero de 1959, Buddy Holly, Ritchie Valens (famoso por su versión de La Bamba) y The Big Bopper subieron al avión de cuatro plazas Beechcraft Bonanza. Nadie imaginó que la nave se estrellaría en un campo de maíz en Clear Lake, Iowa.
Su piloto tenía 21 años y contaba con muy pocas horas de vuelo. Cuenta la historia que el micro de la gira fue cambiado por uno escolar. Esto causó malestar en los músicos. La idea de fue de contratar un avión pero cada pasaje costaba 36 dólares y en la cabina del avión sólo podrían viajar tres pasajeros más el piloto.
The Big Bopper estaba con gripe y le pidió al baterista Waylon Jennings su lugar en el avión. Cuando Buddy Holly se enteró, le dijo a Jennings, "Espero que tu autobús se congele. Hay 40 grados bajo cero allá afuera", a lo que le contestó "Bueno, espero que tu viejo avión se caiga".
Don McLean se inspiró en esta tragedia en su tema, "American Pie", de 1971. Para muchos, el día que murió la música.



 
Fuente: http://tn.com.ar

viernes, 22 de noviembre de 2013

Vuelven los Monty Python, los Beatles de la comedia

 
Los cinco miembros supervivientes del grupo cómico Monty Python, el más admirado y popular de Gran Bretaña, anunciaron el jueves su regreso a los escenarios el 1 de julio de 2014 tras 30 años de separación.
John Cleese, Terry Gilliam, Eric Idle, Terry Jones y Michael Palin, ya septuagenarios, interpretarán versiones modernas de sus mejores números, explicaron en una conferencia de prensa en Londres.
Graham Chapman, el sexto Pyton, murió de cáncer en 1989.
“Monty Phyton Live (mostly)” se representará en el pabellón 02 de Londres, que tiene una capacidad de hasta 20.000 espectadores, a la altura de las expectativas que ha generado. Las entradas costarán unas 80 libras -“300 menos que las de los Rolling Stones”, dijeron en la conferencia de prensa- y se pondrán a la venta el lunes 25 de noviembre.
“Cuando estamos separados no nos gustamos mucho, pero cuando estamos juntos sí, es sorprendente”, explicó Terry Gilliam justificando el reencuentro.
La conferencia de prensa se convirtió en una muestra del humor cáustico del grupo.
“Apuesto a que Jones es el próximo” en morirse, dijo Idle, que admitió: “si hubiéramos esperado mucho” para volver, “hubiera sido demasiado tarde”.
“El principal peligro es que la audiencia recuerde el guión mejor que nosotros”, explicó Cleese.
Cuando se le preguntó a Idle si pensaban llevar la obra a Australia -de momento sólo está confirmada la fecha de Londres-, replicó: “amo a Australia, el problema es que hay planetas más cercanos”.
El grupo saltó a la fama con su programa televisivo “Monty Phyton's Flying Circus”, cuyo primer episodio se emitió el 5 de octubre de 1969.
En medio saltaron al cine, con “And Now for Something Completely Different” (1971), a la que seguiría “Monty Python and the Holy Grail” (1975).
En 1979 estrenaron su película “La vida de Bryan”, una comedia que narraba la vida de un hombre con una vida paralela a la de Jesús, lo que les costó no pocas polémicas.
Su última película fue “El sentido de la vida”, en 1983, año de su separación, a la que seguiría una breve reunión en un festival de humor en Estados Unidos en 1998.
Su regreso ha entusiasmado a medio mundo. La mitad de las docenas de periodistas que cubrieron la conferencia de prensa eran extranjeros y la primera pregunta correspondió a una periodista del diario español La Razón.
“¡Nadie esperaba a la Inquisición española!”, exclamó Michael Palin, recordando uno de sus números más famosos.
“Influyeron a todo el mundo en su generación”, dijo a la BBC el actor y músico Neil Innes, que colaboró con ellos en un par de películas.
“Llegaron después de los Beatles y eran los Beatles de la comedia”, sentenció.
Tras su separación, iniciaron carreras en solitario con más o menos éxito.
Michael Palin se especializó en narrar sus viajes, en programas de televisión y en libros. Su última obra es precisamente sobre Brasil (“Brazil with Michael Palin”).
Terry Gilliam se pasó a la dirección y realizó, entre otras Brazil, Las aventuras del Barón de Munchausen y El rey pescador.
Eric Idle participó en una veintena de películas, actuando o prestando su voz, como en el film animado Shrek 2.
John Cleese protagonizó en solitario Fawlty Towers, una serie televisiva de gran popularidad en la que encarnaba a un encargado del hotel de los desastres, e interpretó la película A Fish Called Wanda con Palin, Jamie Lee Curtis y Kevin Kline, una comedia de éxito que le valió un Oscar al último.
Terry Jones se volcó sobre todo en la televisión. Por Alice Ritchie Fuente: http://www.elnuevoherald.com

Read more here: http://www.elnuevoherald.com/2013/11/21/1619622/vuelven-los-monty-python-los-beatles.html#storylink=cpy



martes, 19 de noviembre de 2013

Led Zeppelin está cumpliendo 45 años

 
Se cumplen 45 años de la fundación por parte del guitarrista Jimmy Page, de la legendaria agrupación Led Zeppelin (Noviembre de 1968). Es sin duda una de las bandas más influyentes en la música rock del mundo. Ha vendido más de 300 millones de álbumes, y es la segunda con más discos de diamante de la historia de la música, solo por debajo de The Beatles.
Su cantante líder Robert Plant, ocupa el primer lugar en la lista Los 100 mejores vocalistas del Hard Rock de todos los tiempos, según la revista Hit Parade y el puesto 15 de los 100 mejores cantantes de la revista Rolling Stone. Jimmy Page en un escalafón de los medios “20 minutos” y “Cassora” (votado por el público) aparece en segundo lugar entre los mejores guitarristas de todos los tiempos, solo superado por Jimmy Hendrix. En el último listado de los 100 mejores guitarristas, confeccionado por la revista Rolling Stone, está posicionado en el 3er lugar. A otro de sus íconos, John Henry ‘Bonzo’ Bonham, la revista musical Gigwise lo incluyó en la primera posición en su lista de los 50 mejores bateristas de la historia. Pero fue por su cuenta que se acabó la banda que estuvo activa 12 años.
John Bonham murió en la mansión de Jimmy Page en Clewer, Windsor, el 25 de septiembre de 1980 por aspiración de vómito, tras intoxicarse con vodka, no se le encontraron rastros de droga. Tenía 32 años de edad. Después de su muerte se especuló sobre una posible sustitución para reemplazarle en Led Zeppelin, pero finalmente los integrantes del grupo decidieron que era irremplazable y que, por tanto, el grupo no podía seguir existiendo.
En 2007 la banda se presentó en un concierto en Londres para rendirle homenaje a Bonzo, tocando en la batería su hijo Jason Bonham. Aprendió a hacerlo con su padre desde que era niño y además conoce perfectamente las canciones.
Apoteósico tributo con llanto de Roberth Plant
Uno de los hechos más sobresalientes en la historia de Led Zeppelin ocurrió hace menos de un año. En diciembre de 2012, la banda recibió el más grande agasajo en EEUU, ofrecido por el mismo Presidente Barack Obama en el Kennedy Center Honors. En un sobrio espectáculo fueron condecorados los tres sobrevivientes originales: Robert Plant, Jimmy Page y John Paul Jones, que fueron versionados por varios artistas como: los Foo Fighters, Kid Rock, Lenny Kravitz.
En la actuación central (guitarra acústica y vocalización) estuvieron las hermanas Ann y Nancy Wilson, con la percusión de Jason Bonham (hijo del baterista original de Led Zeppelin). Las dos líderes de Heart entonaron los versos del épico tema ‘Stairway To Heaven’ acompañadas de un numeroso coro y una gran orquesta. La emoción del público e invitados fue infinita, pero especialmente de los tres homenajeados conmocionados hasta el punto de arrancarle lágrimas a Robert Plant. Para todos se convirtió ese tributo en un momento sublime, además de histórico para la banda. Este es sin duda uno de los mejores momentos de la música del mundo, una pieza para repasar muchas veces: